jueves, 24 de noviembre de 2011

"OBRA DE ARTE"- Autoretrato


OBRA DE ARTE:"Auto-retrato Pop Art"

La entrega final consistía en hacer un auto-retrato. No solamente teníamos que dibujarnos a nosotros mismos sino teníamos que reflejar nuestra verdadera personalidad.

La técnica que usé fue la aplicación de diferentes combinaciones de pinturas de acrílico. También utilicé pinturas inflables con diamantina para resaltar ciertos objetos como el arete. La pintura inflable le dio al arete un efecto un poco real como si fuera un arete elegante. También usé pinturas inflables para el globo de texto y el texto dentro de él. Finalmente, inserte un poco de tela en el vestido para darle un toque especial, un toque más real.
Lo que más me costó trabajo en ésta entrega fue decidir en que forma podría representar mi personalidad resumida en una sola imagen. También me costó mucho trabajo tomar las medidas exactas de la tela a proporción con el vestido y pegarlo encima del lienzo.

Lo que yo quería lograr era un auto-retrato original con diferentes tipos de combinaciones y técnicas para darle textura, variedad y originalidad. Quería dar una impresión que tenga una mezcla entre la caricatura y la vida real para representar lo que es mi vida exactamente para mi. Así como hay elementos que se ven mucho de caricatura gracias al acrílico, las aplicaciones de pintura inflable, en los aretes y la tela le siguen dando un toque real.
 A veces me gusta visualizarme como una caricatura porque los colores y matices de éstas, crean un ambiente divertido y relajado. Así es como me gusta vivir mi vida, de una manera diferente.

La vida real, es solemne y muy seria. Creo que se puede vivir, visualizándose como en una caricatura, siempre divertida, riéndonos de nosotros mismos y abordando la complejidad de la vida real pero de una manera mas simpática, colorida y graciosa.
Es mucho más divertida y llena de color. Me gusta vivir en un mundo irreal en el que puedo visualizar y alcanzar mis sueños sin miedo al fracaso.

Finalmente, decidí añadirle un fondo de diferentes tonos de azules y verdes. El azul no solamente es mi color favorito sino que siempre me he identificado con él. El color azul es un color fresco, tranquilizante, creativo, profundo leal y también es el color de la fe. Cada uno de éstos conceptos representa mi personalidad. La razón por la que aplique el color del fondo con formas de mariposas es porque de alguna manera las mariposas están relacionadas con la misma idea. Representan la libertad, el poder volar y soñar, imaginar, todos estos representan mis ideales. Soy una persona que le gusta estar evolucionando constantemente y que he pasado por varios cambios a través de mi vida es por eso que también puse mariposas, porque representan transformación.

A mi personalmente, me gusto mucho ésta entrega y la puedo clasificar como una "Obra de Arte" porque no solamente aprendí a aplicar el color y diferentes combinaciones y materiales sobre un mismo lienzo, sino que también hice un análisis sobre mi misma y me hizo reflexionar bastante sobre lo que soy y la forma en la que puedo representarlo. No se si sea una obra de arte para los demás, pero si lo es para mi. Yo creo que realmente una obra de arte no solamente es dibujar lo primero que nos viene a la mente, se trata de la interpretación que existe por detrás, de lo que refleja el consciente e inconsciente del artista, de lo que esta viviendo en ése momento, de sus sentimientos o de alguna experiencia que lo haya marcado de por vida. Lo difícil en una obra de arte o un auto-retrato no es ilustrarlo, sino buscar como representarnos a nosotros mismos en una sola imagen. Conocernos y hacer un análisis sobre nuestras cualidades, debilidades y personalidad para intentar reflejarlo ante los demás.Se me hizo un proyecto muy divertido y creativo.



viernes, 18 de noviembre de 2011


"Le Petit- Trianon"

La Galería de “Animazing Gallery” creada desde 1984, está ubicada en varias localizaciones como: “461 Broome Location ,Hastings-on-Hudson, New Orleans, South Hampton 2004, West Broadway Location, South Street Seaport y en 464 Broome Location “.[1]Tiene una gran variedad de obras de arte de originales artistas famosos. Maneja una gran variedad de pinturas de tus pintores favoritos y sus ediciones limitadas. Tiene una gran variedad de colecciones de los artistas americanos más famosos y reconocidos. Por lo general exhibe desde esculturas hasta todo tipo de pinturas y maneja un estilo muy vivo, colorido, divertido y atractivo para el público.


Sobre el artista…


  Daniel Merriam nació el 1 de Febrero de 1963, en York Harbour. Tenía una familia muy grande, eran dos hermanas y conco hermanos. Su casa siempre estuvo llena de creatividad, su madre los ponía a diseñar cosas y a pintar o crear cosas con las bolsas de plástico o con cualquier cosa que encontrara. Empieza a talar madera con su oadre y a trabajar con el construyendo, sin embargo el prefería pasar horas enteras en su cuarto dibujando imágenes ficticias. Su padre queda bastante impresionado pero era muy difícil para el aceptar una vocación artística. Gana varios premios en su escuela por sus dibujos. Aunque quería estudiar en una escuela especializada de Arte, no se arma de valor y estudia en “Central Maine Vocational Technical Institute for mechanical and architectural design”[2] en arquitectura. Trabaja para los arquitectos. Trabaja para el negocio de construcción de su oadre y más tarde cae en una depresión porque no era su verdadera passion. Desde ahí decide dedicarse a la pintura.Abre un taller de trabajo y se muda algunas veces.
  Daniel Merriam es un pintor surrealista que no se basa en lo que ve, sino en sus fantasías y su imaginación. A pesar de que las escenografías en sus pinturas son totalmente fantásticas, Daniel Merriam toma algunos aspectos de la realidad como los objetos. “There's no substitute for an energized, raw, visual imagination,"[3]
  A Daniel Merriam le gusta sentarse junto a la ventana a mirar y a imaginar. Normalemente dice que las cosas que pinta le llegan como un flash que pasa por su cabeza por unos segundos. Despues de imaginarse su cuadro hecho es cuando empieza a pensar como realizarlo, que material usar, cómo dibujar sus contornos, entre otras cosas. Sabe manejar a la perfección las proporciones en las cosas que dibuja como los castillos, edificios o casas. También sabe manejar perfectamente la perspectiva y hacer ilusiones ópticas con sus cuadros ya que tiene conocimientos previos por haber estudiado arquitectura.
  Se ha dado a conocer mundialmente como uno de los pintores americanos más conocidos gracias a su gran habilidad utilizando los colores y la técnica de acuarela. Daniel Merriam invita a los espectadores a formar parte aunque sea por unos segundos de un mundo mágico y lleno de fantasía. Tiene un estilo único al intentar combinar la fantasía y la diversión con un pequeño toque de realidad.


Obra:
La obra de Daniel Merriam titulada como “Le Petit Trianon”, es una obra pintada en el 2010 y está valuada por $2100.00 dls. El tamaño original de ésta obra de arte sin el marco es de 96 X 56”.
  Ésta obra de arte es bastante importante para Daniel Merriam ya que pertenece a una edición limitada. Es una ilustración pintada sobre lienzo y utiliza un estilo bastante creativo lleno de color y grandes contrastes que llaman la atención del espectador.
  Como podemos ver, Daniel Merriam nos invita a través de su obra a un mundo mágico en el que habitan, las hadas, las princesas y criaturas sobrenaturales como especies de dragones o unicornios. Nos marca un encuadre totalmente irreal y lleno de color y de magia. También nos muestra grandes construcciones de castillos para jugar con la perspectiva y la visión del espectador.Por lo general utiliza una gran gama de colores primarios, secundarios y terciarios que pertenecen a una gama de colores fríos.
  A pesar de que su idea del cuadro es totalmente fantástica, sigue utilizando el surrealismo en las cosas, en las texturas, en las facciones de la cara de la princesa y principalmente en las construcciones.
  Daniel Merriam nos invita a entrar a un mundo mágico y recordar lo que alguna vez imaginamos cuando éramos niños sin dejar una parte de la realidad atrás.

miércoles, 2 de noviembre de 2011

Artista Impresionista


“Edgar Degas, un genio impresionista”-

Hilaire Germain Edgar Degas, mejor conocido como Edgar Degas, fue un pintor francés muy conocido y con un estilo único por sus pinturas impresionistas.
  Empezó la carrera de derecho pero la abandonó ya que su padre tenía una gran sensibilidad por  arte y la cultura e influencio bastante en su educación .

  Es así como Degas inicia su pasión y se dedica primordialmente al arte y la pintura. En 1853 empieza a trabajar en el taller del pintor Barriasy. En 1854 también toma algunas enseñanzas de Louis Lamothe. 

  Gracias a que Degas pertenecía a una clase social alta parisiense, esta le permitió tener varias oportunidades en su vida para estudiar y aplicar el arte más a fondo. Pudo observar y admirar colecciones artísticas que solamente la clase alta podía ver.

  También tuvo la oportunidad de viajar y de conocer en casa de su tío Belleli que estaba ubicada en Florencia, copias y originales de pinturas de varios artistas reconocidos como Ghirlandaio, Botticeli, Mantegna, entre otros.

  Su personalidad era muy tímida, retraída y muy sensible. Esto se sabe por medio de testimonios e interpretaciones de sus autoretratos que realiza entre 1854 y 1858.
  Al regresar a Paris, se aloja en la villa Medicis de Roma y descubre por primera vez la característica principal que resalta en todas sus obras, el “mundo escénico”.

  Degas mantuvo una relación demasiado compleja con el movimiento impresionista y los pintores que lo representaban. Formó parte del 90% de las exposiciones del grupo impresionista, y hizo gran relación con varios pintores impresionistas y mantuvo contacto con ellos, más siempre quiso mantener su estilo propio en el cual resaltaba aspectos realistas y un estilo clásico. Además, se negó a realizar pinturas al aire libre y se enfocó en pintar escenas de la vida urbana en lugares encerrados con iluminación artificial. La mayoría de sus pinturas están asociadas con la música, los instrumentos y el baile. Junta estos factores e intenta buscar el momento perfecto para recrear en sus pinturas una escena urbana de la clase social alta.

 Degas participa en la guerra franco-prusiana y toma parte en la Guarda Nacional. Al terminar la guerra, regresa a Paris y es entonces cuando visita el ballet de la ópera en la calle de “Peletier” y se enfoca en hacer una serie de obras de bailarinas hasta 1872. En 1874 realiza su primera muestra impresionista y no es tan criticado ya que demostró en su obra la perfección en sus dibujos y trazos intentando imitar la realidad. Degas estaba obsesionado con “plasmar el momento” en la pintura es por eso que realiza varias obras de escenas en movimiento como carreras de caballos y espectáculos. Representa en varias de sus obras a la figura femenina en diferentes aspectos, en las bailarinas, en las planchadoras, en mujeres bañándose, etc.

  Después de los años 80 se enfoca principalmente en hacer obras sobre bailarinas. Se dice que su obsesión con la representación de la figura femenina va ligada a la pérdida de su madre cuando tenía 13 años, además de que nunca se casó.


  Una de las obras realizadas por Degas que realmente me llamó la atención, fue la de “El padre de Degas escuchando a Lorenzo Pagans”. Esta obra de arte fue realizada en 1869, y a pesar de que no es una de sus obras más conocidas como las de las bailarinas, entre otras, se me hace un cuadro bastante interesante.
  Este cuadro se encarga de capturar el momento, de reflejar lo que Degas estaba observando en ése momento. Se puede ver un músico (Lorenzo Pagans) sentado sobre una silla tocando un tipo de instrumento como la guitarra y en el fondo se ve al padre de Deas sentado admirando y escuchando la música. Este momento captado representaba una de las noches en las que el padre de Degás se dedicaba a escuchar la música de varios artistas en su propio hogar. En mi punto de vista, lo interesante de éste cuadro es que Degas refleja una imagen en la que pareciera que le hubiera puesto pausa por un instante a la realidad, se ve congelado el tiempo, se ven los gestos del cantante en su cara y las expresiones en su boca. También se le ve una mirada inspirada y perdida por un instante.  También se ve congelado el movimiento de sus manos al tocar la guitarra. En el fondo, también se le ve al padre la mirada perdida y su gesto de sorpresa al apreciar la música. Toma la escena de un lugar cerrado con una iluminación artificial.
  Ésta obra fue colocada en el Museo de Orsay, Paris. Fue realizada en 1869. Usa la técnica del óleo para realizar ésta obra.

 "Está muy bien copiar lo que uno ve; pero es mucho mejor dibujar lo que ya no ve, salvo en el recuerdo. Es una transformación en la que la imaginación y la memoria trabajan juntas”.[1]
  Degas aplica en sus obras la técnica del pastel principalmente, pero también utiliza el oleo y la acuarela.

  En mi punto de vista, Degas se me hace un pintor muy interesante ya que se me hace incredible su combinación del estilo impresionista con la vida cotidiana, lo clásico y lo urbano. Es un artista clásico de una época moderna y creo que es incredible su manera de representar el movimiento en diferentes escenas y cómo intenta captar y reflejar “el momento”. Aprecia una escena por unos segundos y la guarda en su mente para complementarla con su imaginación y la fantasia, tomando sólamente los aspectos más importantes de la realidad para crear una combinación y una escena fantástica.



lunes, 10 de octubre de 2011

"Los códices"


                                                               "Los códices"

Cuando llegaron los españoles, encontraron dos libros indígenas, los cuales se enviaron a la corte para estudiarlos, ya que contenían documentos mexicanos y guatemaltecos que eran indispensables históricamente. Contenían información sobre las tradiciones religiosas y los calendarios.
  
  También se encuentran pinturas sobre lienzos con diferentes claves o ilustraciones que relataban las historias del pueblo como los hechos de guerra, sus eventos religiosos, etc. Utilizan una escritura figurativa para explicar los hechos históricos de forma cronológica. Los códices fueron escritos o dibujados por mayas, aztecas, y Mixtecas en su mayoría, pero los tarascos y otomíes ilustraron algunos también.
  
  Eran ilustrados sobre cortes de piel de venado raspada o sobre la corteza de árbol “amatl”. Según la creencia de los aztecas, el dios Quetzalcoatl fue el creador de éste tipo de escritura. Los mayas creían que el creador fue el “Señor del Ojo del Sol”, “Kinich Ahau”.
A pesar de que ambos pueblos mencionen al “creador” de los códices, ninguno menciona al creador ,el proceso en el que se creó, ni a la fecha en la que se inventó el papel. Es curioso ya que es un dato de suma importancia.
  
  El papel se cubría con una capa ligera de carbonato de calcio que se obtenía de alguna piedra específica, cando se cerraban los poros con la mezcla del polvo con agua, se podía aplicar la pintura para empezar a ilustrar los códices.

  Antiguamente, los códices eran escritos por sacerdotes y solamente podían ser interpretados por ellos. Era un tipo de manual para el sacerdote para poder dar instrucciones al pueblo en forma religiosa, política y social. Mientras unos tratan de astronomía y los dioses, otros de religión , hechos históricos familias reales, y a las costumbres del hombre hasta su muerte.
Hoy en día se han encontrado 3 códices mayas, 13 mixtecos, y 9 aztecas. Uno de los códices de los que me gustaría hablar es sobre “El códice Borgia”.

Se dice que el códice Borgia no proviene de los aztecas sino de Puebla o Tlaxcala. Cada hoja mide 27 x 27 cm, y mide casi 11 metros.

En éste códice se encuentra el tonalámtl ordenado en 5 columnas en las primeras páginas. Se presenta el dios de las flores y el amor, “Xochipilli” con fuego saliendo de su boca. La diosa que más se ve es Mayáhuel, la que descubrió el pulque. Una mujer con 400 senos que gracias a su fecundidad es transformada por los dioses en maguey. Se viste de blanco (el color del pulque). Su cabello es de color fuego y tiene una cadena de piedras preciosas en la que se cuelga una cabeza de pájaro, ésta representa lo ardiente de la bebida. Siempre se señala un vaso grande con pulque en su mano.

  Ella es tan importante porque los dioses del pulque, también se representaban como los dioses de la cosecha, las fiestas, la música y el baile. En general se habla de los partos, de los matrimonios y sus compatibilidades, de los sacrificios, de la vida de Quetzalcóatl y de otros dioses.

  Los códices son diferentes entre si por el estilo y por la forma en la que presentan los hechos. En los códices mayas las figuras representan los dioses y en los mixtecas representan a los reyes. En los códices mayas se muestran a los mayas llenos de ofrendas y mujeres a su alrededor arrodilladas.
En el códice Nuttal, se ve una posición del torso de las personas de una forma muy curiosa, es contradictoria a la posición en la que están colocadas las piernas. Lo que resalta principalmente son los brazos.

  Los códices mixtecos tienen varios colores en sus ilustraciones como púrpura, negro, azul, rojo y gris y son de suma importancia. En los códices mayas los dibujos son en blanco y negro.
El códice Bouturini es un códice azteca. Sus ilustraciones no tienen color y sus dibujos son muy delicados y se relacionan con los dibujos chinos.

  Como conclusión podemos decir, que los códices son manuscritos pictográficos realizados por diferentes pueblos de Mesoamerica en los que plasmaban toda su pasado, presente, y predicciones del futuro. En ellos mostraban, por medio de símbolos o imágenes, su manera de ver el mundo, sus creencias religiosas y sus tradiciones, sus actividades cotidianas y el comercio. Varios códices se han perdido con el tiempo, algunos fueron destruidos por los conquistadores y otros simplemente no han sido encontrados. Pero lo que podemos decir es que cada uno es un rompecabezas que al descifrarlo nos muestra un pasado mágico de nuestra cultura mexicana.

Bibliografías:
Lima, Oswaldo Gonçalves de:
El Maguey y el pulque en los códices mexicanos /Oswaldo Gonçalves de Lima ; figuras de Honorina Lima
 México : Fondo de Cultura Económica, 1978, 278 p.

Sten, María:
Las Extraordinarias historias de los códices mexicanos /Maria Sten ; dibujos de Rafael López Castro.
 México : J. Mortiz, 1972.

Seler, Eduard, 1849-1922:
Comentarios al Códice Borgia /Eduard Seler ; tr. Mariana Fenk
 México : Fondo de Cultura Económica, 1988, c1963

“Las Alas de la ciudad” por Jorge Marín-


“Las Alas de la ciudad” por Jorge Marín-

Sobre el camellón central de la avenida de Paseo de Reforma, entre el Museo de Antropología y el Museo de Arte Moderno, se muestra una exposición hecha por Jorge Marín. La exposición se llama “Las Alas de la ciudad” , y esta constituida por 13 piezas únicas y diferentes creadas por el artista Jorge Marín. Fue colocada desde el 1 de Septiembre y la entrada es libre para todo el público.

  Jorge Marín es un artista mexicano que nació en Uruapan, Michoacán en 1963 que tiene un gran respaldo académico. En 1980, estudió una licenciatura en Diseño Gráfico en ENAP- UNAM en  México D.F. De 1980-1985 estudió en la “Escuela Nacional de Artes Plásticas, en la Universidad Nacional Autónoma de México”.      En 1982, estudió otra licenciatura en “Restauración de bienes muebles” En la escuela nacional de conservación, restauración y museografía, “Manuel del Castillo Negrete”. INAH- SEP, México D.F, MÉXICO.

  Jorge Marín tiene gran experiencia laboral y ha realizado todo tipo de exposiciones. Desde exposiciones individuales , hasta exposiciones, colectivas, permanentes, y en el extranjero. Lleva “Veinte años de vida profesional, donde la búsqueda y la experimentación tanto en técnicas como en temas, lo hacen un artista multidisciplinario”.[1] Gracias a su aprendizaje con el manejo del bronce ha resaltado entre los artistas como un gran genio del arte plástico que ha creado con cada una de sus esculturas un estilo propio y único.
  La exposición de “Las Alas de la ciudad” tiene diferentes esculturas hechas de bronce con un peso de 200 a 500 kilos, con las que puede interactuar el observador. Ha estado expuesta alrededor de varios lugares del mundo y simboliza a la perfección el “Arte contemporáneo mexicano”.


 “He encontrado en el bronce una fuerza intrínseca que me permite construir cuerpos dinámicos, llenos de movimiento que retan en la gravedad porque giran en el espacio y se balancean apoyándose apenas en un punto”. [2]
  Por otra parte, Jorge Marín dice que hay una contradicción con todo esto, el bronce produce una sensación muy dura y fría y esto es totalmente lo contrario de lo que quiere reflejar, es por eso que él explica: “Al tensar o distender las formas, los volúmenes, y los tendones, pretendo que mis piezas triunfen en esa lucha y hablen por si mismas, y al coordinar los cuerpos, parte por parte, trato de que adquieran una voz propia que comunique algo distinto a cada espectador”. [3]

Para crear cada una de las piezas de esta inigualable exposición Marín tuvo que trabajar en éste proceso en cada una:
Modelado: Se construye una base o “esqueleto” hecho de metal para moldear la plastilina alrededor y sostener la figura. Después se moldea la figura con la plastilina.
Tacelado: Se divide la figura en diferentes partes con táceles para facilitar el desmolde de la pieza.
Aplicación de látex: se aplica alrededor de la plastilina de la figura de forma líquida para poder aplicar el volumen y la textura en ella.

Refuerzo del molde: Ya que el látex es un material muy delicado sin rigidez, se debe hacer éste proceso sobre un molde a base de resina y fibra de vidrio .

Vaciado en cera: Al retirar la figura del molde, se aplica sobre él una mezcla líquida que debe calentarse, hecha de parafina, cera de ámbar, y brea. Este procedimiento es para tener una copia de la figura de plastilina.
Quemado de la cera: Una vez que toda la superficie de la escultura está llena de cera, se quema dentro de un horno especial.
Vaciado de bronce: Una vez que se quema toda la cera, se añade el bronce líquido para tomar el lugar que tenía antes la cera.
Limpieza: Se enfría el vaciado y se retira el yeso y la cerámica que estaban dentro y de ésta manera ya queda la escultura de bronce. Para limpiarla se utilizan las lijas.
Patinado: Para pintar el bronce de diferentes colores que no sea su estado natural, el dorado, se aplican diferentes ácidos combinados con el calor.

Lo que pude observar de las figuras, es que tratan sobre el ser humano y su perfección. Me di cuenta de esto porque los cuerpos están perfectamente proporcionados y se ven todos los detalles del ser humano, desde las uñas hasta las venas marcadas por debajo de la piel. Se muestran figuras humanas que también se pueden interpretar como “místicas”  por las máscaras y características en sus rostros (como los tamaños desproporcionados de las narices) hasta las alas que llevan en la espalda la mayoría de las esculturas. Jorge Marín relaciona a éstos seres místicos con los mexicanos ya que dice que los mexicanos si quieren, pueden.
Habla sobre la difícil situación por la que está pasando el país y sobre la oportunidad que tiene cada uno de los mexicanos de ponerse la alas y realizar cualquier sueño o meta que se proponga. Todo está en creer en nuestros sueños e intentar volar hasta alcanzarlos.

En mi punto de vista, las esculturas de Jorge Marín en verdad se me hacen una verdadera obra de arte. Uno no aprecia lo que es una escultura hasta que estudia todo el proceso que ésta conlleva, además creo que Jorge Marín representa a través de sus obras justamente lo que quería reflejar a la sociedad. La perfección del cuerpo humano combinado con seres místicos, y el juego con el equilibrio. Posiciona a todas las esculturas sobre objetos inestables como las esferas o superficies ovaladas e inestables en las que el sujeto se posiciona en la orilla con absoluto equilibrio para jugar con la gravedad y la inestabilidad y demostrar a su vez, la perfección del cuerpo humano. Algunas esculturas están de cabeza, otras se sostienen sobre un solo brazo o pie, y las demás aparecen hincadas o paradas sobre la orilla de la esfera, pero absolutamente todas parecen mantener el equilibrio a la perfección a pesar de su posición. Las esculturas al aire libre dan oportunidad al espectador de interactuar con ellas y proyectarse y encontrar su propia interpretación. Finalmente creo que fue una gran idea la de poner unas alas de bronce en las que la gente puede interactuar, tomarse fotos y ponerse en el papel de un ser místico el cual puede volar y llegar a cualquier lugar si así lo desea.





Bibliografías-
Exposición de “Las Alas de la ciudad” por Jorge Marín, Paseo de la Reforma.
Fuente: Prensa Cultura DF
www.cultura.df.gob.mx


[1] Exposición: “Las Alas de la ciudad” por Jorge Marín.
[2] Exposición: “Las Alas de la ciudad” por Jorge Marín.
[3] Exposición: “Las Alas de la ciudad” por Jorge Marín.

domingo, 4 de septiembre de 2011

"Dulce Masoquismo"

A esta obra le dedico el nombre "dulce masoquismo". En ella se pueden ver dos pies con zapatillas que representan el "Ballet". Decidí escoger este tipo de danza ya que para mi punto de vista no es un tipo de danza igual a los demás, sino toda una obra de arte. El ballet no es un pasatiempo cualquiera sino un verdadero sacrificio. Es un arte en el que se debe perseverar , y entrenar día a día para no perder la práctica ni la flexibilidad.
Involucra bastante sacrificio físico y mental para soportar semejante entrenamiento.
En mi punto de vista es toda una "obra de arte" ya que es un tipo de danza que involucra: la pintura, la música, la mímica, la poesía, y principalmente la danza para crear en combinación verdaderamente bella ante los ojos del espectador.

El ballet ha estado involucrado a lo largo de la historia. Fue inventado en Italia. Por lo general los nombres de las posiciones son en Francés ya que fueron los primeros en darles un nombre, por lo tanto el Francés se convirtió en el idioma internacional del ballet. Antiguamente, los espectáculos de ballet se mostraban al público durante las cortes y empezaron representando temas teológicos. Pronto se volvió como un tipo de arte alrededor de Europa y con el tiempo se fue perfeccionando en diferentes países como Rusia, Francia, Inglaterra, Italia etc.

Realmente admiro a los bailarines ya que se dice que el ballet es sumamente difícil y requiere una concentración impresionante para poder dominar todos los músculos del cuerpo y poder tener una buena flexibilidad y coordinación.

Decidí pintar las "Zapatillas de punta" porque para mí representan la "perseverancia" y el "masoquismo". Éste tipo de zapatillas las usan las bailarinas que han entrenado incansablemente para "pasar a otro nivel". Las bailarinas sufren con ellas varias lesiones pero pronto se acostumbran.

 Me impresionó muchísimo éste video http://www.youtube.com/watch?v=IZNR5Ijf3L4 porque demuestran exactamente de lo que estoy hablando. Sufrir, sangrar y dar todo por un sueño. Esto es lo que quiere decir ésta obra para mí, ser perseverante en cualquier tipo de meta o sueño a pesar de que uno "sangre" y tenga lesiones en el camino, porque a final de cuentas todo lo que demostraremos es una "hermosa danza".